Los gustos son relativos, las historias son diversas y siempre habrá una disputa entre taquilla y contenido. También hay títulos que marcan la diferencia y este año habrá un bullado round entre la era del streaming y la tradición de la sala de cine. Esta noche se entregarán los premios Oscar y una vez más no existe certeza de un ganador absoluto (un segundo “Titanic” o “El señor de los anillos” para ser exactos, hablando de la era reciente), pese a que hay dos películas que ostentan diez nominaciones cada una.
La última vez que se dio un escenario así fue en la 86ª edición, realizada en marzo de 2014. En ese entonces, “Escándalo americano” y “Gravity” figuraban en diez categorías. Sin embargo, ninguna de ellas obtuvo la mejor película: el filme ganador de aquella noche fue “12 años de esclavitud” de Steve McQueen.
Ahora es el turno de “Roma” (Netflix) y “La favorita” (Fox Searchlight Pictures), dos obras que representan estilos distintos de exhibición. Se trata de un hito en la industria cinematográfica: el streaming hoy figura en la categoría más importante de los premios de la Academia de Hollywood.
Pero nada asegura que estos dos títulos obtengan el codiciado cetro. Seis filmes más también están en esta pelea y ciertamente poseen los pergaminos necesarios para dar la sorpresa esta noche en el Dolby Theatre. Un impacto de esas características sólo puede ser superado por un error en la lectura de las tarjetas, tal como ocurrió en aquel incidente de 2017 en que “La La Land” fue la mejor película durante unos segundos, hasta que se confirmó que era “Moonlight”.
En Textual.cl mostramos un resumen de cada postulante a Mejor Película, considerando diversos factores como la crítica, el presupuesto, la taquilla y el desempeño de su elenco.
1. Black Panther
Director: Ryan Coogler | Productor: Kevin Feige | Elenco: Chadwick Boseman, Michael B. Jordan, Lupita Nyong’o, Danai Gurira | Marvel Studios, Walt Disney Studios | Rotten Tomatoes: 97% | Nominaciones: 7 | Presupuesto: $200 millones | Recaudación: $1.347 millones
La aparición de un filme de superhéroes en la categoría más alta de los Oscar produjo diversas reacciones, en especial entre los fanáticos de Marvel. Entre ellas, la teoría de un guiño al fallido plan de la Academia de crear una premiación a la película más popular, con el fin de revertir la baja en la sintonía de la ceremonia. Sin embargo, Marvel Studios ha sabido enlazar la esencia de sus cómics con la realidad y mostrar obras audiovisuales de alta calidad.
El casting no es menor. Chadwick Boseman, un actor de biopics, subió un peldaño cien veces más alto gracias a su interpretación del rey T’Challa. En su currículum puede decir que es el primer actor afroamericano en protagonizar una película del universo cinematográfico de Marvel, que a la vez se convirtió en el filme de protagonista único más taquillero de la franquicia, superando a héroes blancos y de primera línea como “Iron Man” (la tercera parte) y “Capitán América” (“Civil War” obtuvo la mayor recaudación).
La película se estrenó el 15 de febrero del año pasado en Chile y Boseman aseguraba en la promoción que su personaje tenía características de James Bond: “Él no es sólo un rey, también es muy inteligente (…) Es un líder mundial, una responsabilidad que los superhéroes no tienen usualmente”.
Pero además de contar con un héroe que mostró una actuación bien cuidada de acuerdo a la inspiración africana del mundo de Wakanda, el villano también tuvo un crédito importante —hasta el punto de opacar al protagonista— gracias a la interpretación de Michael B. Jordan. Además de ser el dueño del cuadrilátero de “Creed”, el actor californiano está en la órbita de Denzel Washington, que ya lo tiene para su próxima película.
También destaca la potencia femenina de Lupita Nyong’o (Nakia) y Danai Gurira (Okoye), dos guerreras de las Dora Milaje, además de Shuri (Letitia Wright), la hermana adolescente de T’Challa y diseñadora tecnológica de Wakanda. En el contexto del movimiento feminista y la notoria ausencia de referentes femeninos en la ciencia, el rol de estas personajes enaltece el filme y rompe con los estereotipos que giran en torno a la etiqueta “película de superhéroes”.
En términos de crítica hubo numerosas alabanzas, con énfasis en cómo la misma película soltó las amarras comerciales de Disney y venció las etiquetas. Se trata de una cinta diferente, con identidad, que hace más creíble el universo de Marvel y con un elenco sólido y convincente.
2. BlacKkKlansman (El infiltrado del KKKlan)
Director: Spike Lee | Productores: Jason Blum, Spike Lee, Raymond Mansfield, Jordan Peele y Sean McKittrick | Elenco: John David Washington, Adam Driver, Laura Harrier, Topher Grace | Focus Features | Rotten Tomatoes: 96% | Nominaciones: 6 | Presupuesto: $15 millones | Recaudación: $90,6 millones
“Sólo estábamos tratando de decir la verdad al poder. Tenía que ser una pieza de época que comentara lo que está pasando ahora con ese sujeto en la Casa Blanca”. Esta fue una de las respuestas de Spike Lee en una entrevista concedida a Rolling Stone. Es posible resumir esta frase en el sencillo (y furioso) “motherfucker” que soltó en Cannes a la hora de referirse al presidente estadounidense Donald Trump y su apoyo al Ku Klux Klan.
El racismo sigue siendo institución en el país norteamericano, tanto a nivel social como cinematográfico. La cinta de Lee, inspirada en las memorias de exoficial de policía Ron Stallworth, sólo se diferencia de la época actual por la vestimenta y los peinados afros de los 70. Lo importante de esta obra no es el tejido argumental, porque la intención va más allá de la narrativa. Claramente el objetivo es refrescar las mentes de los espectadores sobre el hecho de que tener a superestrellas negras en Hollywood no implica salvar las vidas de las víctimas de los crímenes de odio.
Pero el filme no se queda solamente en ese punto. Stallworth, el primer policía negro de Colorado Springs, se percata de un anuncio del Ku Klux Klan para reclutar nuevos miembros y decide infiltrarse en la división local del grupo. Lo sorprendente es que él maneja el operativo a través de llamadas telefónicas, mientras que Flip Zimmerman (Adam Driver), un policía blanco y judío, se encarga de personificarlo ante el colectivo extremista. El binomio lleva a cabo estrategias para sabotear las actividades del KKKlan, que prepara ataques contra los mitines de derechos civiles.
En medio de la ola de preguntas sobre su famoso padre, Denzel Washington, John David dio cuenta de las claves en una conferencia de prensa. “Para mí, la moraleja de esta película fue que así es como suena el odio”, señaló el actor, agregando que el odio racista sigue siendo un hecho y forma parte del lenguaje común. “Eso peligroso y es lo que muestra esta película”.
En 2015, Spike Lee fue premiado con un Oscar honorífico por su trayectoria. Sin embargo, para muchos es materia pendiente que el director de 61 años debe recibir una estatuilla en las categorías regulares.
3. Bohemian Rhapsody
Director: Bryan Singer, Dexter Fletcher (reemplazante) | Productores: Graham King, Jim Beach | Elenco: Rami Malek, Gwilym Lee, Ben Hardy, Joseph Mazzello | 20th Century Fox | Rotten Tomatoes: 61% | Nominaciones: 5 | Presupuesto: $52 millones | Recaudación: $854 millones
“¿Es esto real o es sólo una fantasía?”, se preguntaban los críticos a la hora de evaluar la biopic oficial-más que autorizada-remasterizada de Queen, parafraseando la canción que da nombre a la obra. El principal afán de esta película fue construir una escalera al cielo (sí, Led Zeppelin, pero no es el momento de hablar de ellos) para intentar observar más de cerca a Freddie Mercury, con una especial dedicatoria a los millennials que no alcanzaron a gozar de sus shows en vivo (o los chilenos que no alcanzaron a tenerlo en un escenario), pero que conocen al menos tres temas del cuarteto británico, aunque sea sólo el “mama, uh uh uh”.
La añoranza del cancionero de Queen y la omnipotente figura de Mercury hicieron arder la taquilla y las salas se llenaron de fanáticos, simpatizantes y potenciales herederos que prestaron sus oídos en medio de la oleada de la música urbana. Pero las excesivas licencias creativas a la hora de contar la historia causaron bastante ruido (aunque vayas por la calle con audífonos, puedes escuchar cómo el martillo rompe el pavimento) y no sincronizaron con la melodía ganadora del filme. Es más rentable para el espectador/fanático abrir YouTube para repasar documentales sobre la banda o simplemente sentarse a analizar el contenido de cada canción.
La búsqueda del Freddie casi perfecto (porque perfecto es el original, dirá la mayoría) tardó ocho años, tiempo suficiente para ser caldo de cultivo de polémicas. Finalmente Rami Malek no sólo supo dar vida a la leyenda y no quedarse en la prótesis dental o en los detalles de vestuario. La estrella de “Mr. Robot” fue el salvador de una producción que se sostiene a sí misma sólo por las buenas intenciones de Brian May y Roger Taylor de cristalizar su deseo de llegar a la pantalla grande y envejecer en paz con su historia.
Malek combatió con elegancia y mucho estudio el chisme planetario de “no está a la altura de Freddie”. Quizás no al nivel de decir “la reina ha muerto, viva la reina”, pero sí lo suficiente como para salir a tomar el té con Kashmira, la hermana de Mercury, tal como ha comentado en algunos portales. Reproducir la personalidad compleja del artista fue apenas uno de los tantos desafíos que tuvo.
“Lo abordé como si lo hiciera con cualquier otro papel”, explicó Malek. “Así que lo despojé de sus logros en cuanto a sus interpretaciones —su habilidad para comandar el escenario, su canto, su manera de tocar el piano— y encontré en su esencia a un hombre muy complejo, que estaba intentando descubrir su identidad. Eso fue algo que sabía cómo abordar. Si podía partir de ahí, iba a ser capaz de tener los cimientos iniciales que te dan la confianza para hacer el resto de las cosas”.
El milagro de Rami Malek de levantar una película imposible no sólo podría darle el Oscar al Mejor Actor. Consiguió enaltecer la cinta lo suficiente para competir con otros monstruos (más eficientes, realmente) en la categoría Mejor Película.
4. La favorita
Director: Yorgos Lanthimos | Productores: Ceci Dempsey, Ed Guiney, Lee Magiday y Yorgos Lanthimos | Elenco: Olivia Colman, Emma Stone, Rachel Weisz | Fox Searchlight Pictures | Rotten Tomatoes: 94% | Nominaciones: 10 | Presupuesto: $15 millones | Recaudación: $78,2 millones
¿Por qué “La favorita” es la favorita? ¿Por las interpretaciones de sus actrices? ¿Por la forma de retratar el siglo XVIII con un ambicioso gran angular? ¿O porque está lejos del romanticismo de una película de época y más bien recurre a la suciedad de lo verdadero? A diferencia de sus competidoras, esta película escapa de la realidad sin salir del todo de ella y estimula la imaginación con la mordacidad del humor británico, mezclada por el desparpajo de los personajes.
Así lo define el propio Lanthimos: “Fue el hecho de que era una historia acerca de tres mujeres; algo raro para la época y que en el cine lo sigue siendo en la actualidad”. Porque sí, esta película es totalmente diferente a las relajantes comedias románticas protagonizadas por mujeres que abundan en el TV cable. Se trata de una comedia negra de época que por fin tiene a hombres (que por cierto cumplen bien su rol) como actores secundarios. Aunque curiosamente pone en el tapete dos estereotipos: la mujer siniestra y planificadora y el hombre que hace gala de su estupidez como una virtud.
El punto más alto de la cinta es la interpretación de Olivia Colman como la reina Ana, una mujer cuya locura e ingenuidad apenas distingue línea divisoria. No faltará el espectador sensible que esté concentrado en sus 17 conejos y en los patos competidores. Su desequilibrio será el catalizador en la excitante lucha entre las dos mujeres más cercanas a ella: Sarah (Weisz), duquesa de Marlborough y su principal consejera, y Abigail (Stone), una hidalga que hará lo posible por limpiar su nombre, sin escrúpulos. La homosexualidad de la reina es un punto clave en la historia, aunque las intrigas de sus damas generan un equilibrio interesante.
Tal como comentaron las actrices en su momento, hubo más concentración en la personalidad de sus roles que en la clásica postura documental: no estaban del todo inmersas en la historia británica del siglo XVIII. “Esta película es muy precisa, a pesar de que se siente muy alejada a lo que conocemos como un drama de época”, señaló Colman, nominada a Mejor Actriz. “Pero, en cierto modo, es menos acerca de la historia del momento como lo es acerca de esta mujer que ha perdido todos estos hijos, y su amor hacia estas otras mujeres. Ana demuestra todas las emociones, buenas y malas. Cada rasgo. Es maravilloso interpretar a alguien que hace tantas cosas”.
La disputa entre los personajes de Rachel Weisz y Emma Stone se trasladó a la realidad. Ambas están nominadas a Mejor Actriz Secundaria. Si bien Olivia Colman la tendrá difícil en el ámbito de los roles principales (Glenn Close y Melissa McCarthy tienen mucho que decir también), su actuación ya pasó a la historia.
5. Green Book
Director: Peter Farrelly | Productores: Jim Burke, Brian Hayes Currie, Peter Farrelly, Nick Vallelonga y Charles B. Wessler | Elenco: Viggo Mortensen, Mahershala Ali | Universal Pictures | Rotten Tomatoes: 80% | Nominaciones: 5 | Presupuesto: $23 millones | Recaudación: $133,6 millones
“Pasamos tanto tiempo hablando sobre el color, que el proceso de transformación de los actores de color no se reconoce. No de una manera más profunda”, fue el llamado de atención de Mahershala Ali en una entrevista a Variety. Ha habido diversas contiendas en donde los Oscar suelen ser sinónimo de racismo, sobre todo la de 2015 y los “white Oscars”. Ali aseguró al mismo medio que el 40% de sus entrevistas aluden a la raza y es obvio que está naturalizado en la industria que los actores blancos puedan hablar de sus carreras, mientras que los actores negros deben responder al “qué diferencia hay entre el racismo de ayer y el racismo de hoy”. Se parece al “cómo se siente” de los periodistas que cubren muertes.
¿Por qué es importante mencionar esto? Porque “Green Book” merece que sus espectadores hilen más fino sobre lo que está presentando. Desde la superficie parece una sencilla historia de amistad entre Frank “Tony Lip” Vallelonga (Viggo Mortensen), un guardia de club nocturno que debe trabajar como chofer, y el músico millonario Don Shirley (Mahershala Ali). Ambientada entre los años 50 y 60, el título de la película alude a la guía que indica los lugares de alojamiento y comida para la comunidad afroamericana.
La crítica se dividió ante el filme. ¿Es posible hablar con humor y sentimentalismo sobre un problema social que persiste hasta hoy? ¿Son mejores las actuaciones de Ali y Mortensen que los diálogos y la narrativa? ¿Se puede mezclar la crudeza de la agresividad con la bondad de los personajes? ¿El personaje negro tiene que salvar al personaje blanco? ¿Hay que premiar la eficiencia o la complejidad? La única forma de despejar estas preguntas es implicarse en la historia, reconocer cómo se teje maravillosamente esta amistad (los hombres entienden mejor la fraternidad que las mujeres, lo que el feminismo ha intentado reparar con la sororidad) y aplaudir el desempeño de los dos protagonistas. También vale la pena comprender que no sólo se trata de discriminación étnica, pero ya eso es entregar spoilers y ciertamente es una invitación a ampliar la mirada y no quedarse sólo en una lucha.
A propósito de las malas críticas, el director Peter Farrelly respondió a los cuestionamientos vía Vanity Fair: “La peor acusación que recibí fue que yo era un hombre blanco que se aprovechaba de un hombre negro y ganaba dinero con eso. No hice esto por dinero. No me importa si gano un centavo… Lo estoy haciendo para hacer una diferencia. Creo en esta película. Creo que puede cambiar los corazones y las mentes de las personas, de manera exponencial. No estoy diciendo que vaya a cambiar el mundo. Pero puede hacer un cambio en la dirección correcta en un momento en que lo necesitamos”.
Por lo expuesto anteriormente, “Green Book” podría ser la gran sorpresa e imponerse ante las dos películas con más nominaciones, tal como ocurrió con “Moonlight” y “12 años de esclavitud”, filmes de la misma gama.
6. Roma
Director: Alfonso Cuarón | Productores: Alfonso Cuarón, Gabriela Rodríguez, Nicolás Celis | Elenco: Yalitza Aparicio, Marina de Tavira | Netflix | Rotten Tomatoes: 96% | Nominaciones: 10 | Presupuesto: $15 millones | Recaudación: $3,9 millones (sin embargo, está disponible en el streaming bajo suscripción).
Con una cuidada fotografía que evoca al neorrealismo, “Roma” es el filme que rompe con todas las barreras. No se trata solamente de hablar de una película grabada en blanco y negro ni tampoco recordar a través de ella que todos podemos vivir en el mismo mundo y aún así ser desiguales. Catalogada como la película del año, el mexicano Alfonso Cuarón convirtió sus recuerdos de infancia en una carta de intenciones que conquistó a la crítica a nivel técnico, argumental y sobre todo emotivo.
Ambientada en el México de los 70, la historia sigue a Cleo, una criada indígena que trabaja en una casa ubicada en un barrio de clase media-alta. La agitación política de aquellos años se entrelaza con el relato acerca de las diferencias sociales, que a la vez muestra cómo la vida finalmente ata los hilos que son de distintos colores.
Yalitza Aparicio, quien da vida a Cleo, ha sido alzada por la crítica como la “joya” de la obra de Cuarón, una sencillez que brilla por sí misma. Pero también ha sido objeto de lo que la misma película busca contar: las portadas de las revistas insisten en aclarar su piel y afinar los rasgos, además de los cuestionamientos a su talento al competir en la categoría Mejor Actriz con otras colegas de más trayectoria como Glenn Close. México no se ha quedado atrás en criticar a su compatriota debido a su origen indígena.
La Academia ya reconoció la nobleza y la originalidad de Aparicio en su actuación. ¿La premiará? ¿Cuarón seguirá la línea de sus colegas Alejandro González Iñarritu y Guillermo del Toro de mantener a México en lo más alto de la estela cinematográfica con un par de Oscars más? Lo cierto es que “Roma” es una película inolvidable, que sobrepasa las disputas que ocurren fuera de ella y que debe ser atesorada para comprender que Latinoamérica sigue siendo la misma de siempre: golpeada y desigual.
7. A Star Is Born (“Nace una estrella”)
Director: Bradley Cooper | Productores: Bill Gerber, Jon Peters, Bradley Cooper, Todd Phillips y Lynette Howell Taylor | Elenco: Bradley Cooper, Lady Gaga | Warner Bros. Pictures | Rotten Tomatoes: 90% | Nominaciones: 8 | Presupuesto: $36 millones | Recaudación: $423,9 millones
Los cuentos de hadas más conocidos han sufrido modificaciones en el tiempo para no asustar a los niños y niñas antes de dormir. Precisamente “Nace una estrella” es otro de esos cuentos que son crudos, pero a diferencia de otros ha permanecido tal cual. El riesgo del remake siempre es latente: la modernización de una historia puede contaminarla y convertirla en otro producto desechable de Hollywood. Sin embargo, Bradley Cooper supo manejar esta película con delicadeza.
“Siempre he sabido que quería dirigir, pero también sabía que necesitaba tener un punto de vista para saber por qué lo hacía, de otro modo no habría motivo para hacerlo”, dijo Cooper en la promoción del filme. “Y siempre he querido contar una historia de amor porque siento que es algo con lo que todo mundo puede identificarse… el amor, la pérdida, su intensidad. Es lo que te hace sentir más vivo”.
Y así es como encontró a la artista perfecta para la aspirante a estrella. En este filme, Lady Gaga fue más allá de otras intérpretes como Madonna: además de su innegable calidad vocal, también expuso parte de su fragilidad (íntimamente conectada con “Joanne”, su quinto álbum de estudio) y enlazó con el espíritu que Cooper quería mostrar desde un inicio. Por esta razón, “Nace una estrella” rompe con el melodrama hasta alcanzar el estado del amor más puro, sin perder la crudeza de un músico en caída libre que toca fondo con las drogas.
“Shallow”, uno de los temas de la película, que Cooper y Gaga cantan a dúo, parece destinado a repetirse una y otra vez en todos los karaokes de todo el mundo, pero también es parte del manto emotivo que cubre la película. Ese manto se deshace en el final, mostrando la integridad de ambos hasta la última fibra, y es difícil no derrumbarse ante la verdad.
Así definió Lady Gaga su relación con Bradley Cooper en la película: “Lo primero que dijimos fue: ‘Bueno, ahora tú eres un músico y yo una actriz. Estamos haciendo ese intercambio así que mantenme en un lugar puro, cómodo pero vulnerable, en el que yo pueda darte lo que necesitas para el personaje’. Él hizo eso por mí y conforme trabajamos juntos en crear las canciones yo lo vi a él convertirse en un verdadero músico”. Sí, ahí está el truco: los dos se mostraron en su estado más inicial y esa sinceridad es lo que hace de este filme el favorito para llevarse el Oscar.
Por cierto: Gaga también está nominada a Mejor Actriz, lo que supone un hito como artista en todo el sentido de la palabra.
8. Vice (“El vicepresidente”)
Director: Adam McKay | Productores: Brad Pitt, Dede Gardner, Jeremy Kleiner, Kevin J. Messick, Will Ferrell y Adam McKay | Elenco: Christian Bale, Amy Adams, Steve Carell, Sam Rockwell | Annapurna Pictures | Rotten Tomatoes: 66% | Nominaciones: 8 | Presupuesto: $60 millones | Recaudación: $63,1 millones
El mundo todavía alucina con el radical cambio físico que realizó Christian Bale para encarnar al poderoso vicepresidente estadounidense Dick Cheney, lo que inevitablemente recuerda a las performances rutilantes de Daniel Day-Lewis. Es de esos nominados a Mejor Actor que compiten a nivel de transformación. Pero bueno, esto no es “Mi nombre es…” y toca hablar de una comedia dramática sobre política y un hombre que pisó fuerte en la época pirotécnica-bélica de George W. Bush.
Comprendido ya el juego de palabras para dummies que establece el título de la película (“vice” es vicio en inglés y también se refiere al vicepresidente), cabe destacar que la crítica no fue muy benevolente con el filme. Sindican como culpable a Adam McKay, el director, por no dar un buen telón de fondo y una línea narrativa más ordenada a un elenco tan sólido. ¿Cómo mantener la efectividad de la sátira sin obviar la gravedad de aquella descarada corrupción? De todos modos, cumple con entretener y a la vez recordar un par de verdades que suelen olvidarse a la hora de votar.
En cuanto a la respuesta de los críticos, al final no pasa nada, porque el propio McKay se lo explicó al New York Times en una entrevista: “Sospecho de cualquier cosa que se sienta como una forma antigua. Estamos descubriendo nuevos estilos y formas, porque esta época en la que estamos nos lo exige. El mundo se ha vuelto tan exageradamente caricaturesco y exagerado. ¿Por qué ser sutil ya?”.
Al igual que Rami Malek en “Bohemian Rhapsody”, las miradas se centran en el desempeño integral que Bale realiza a través de la figura de Cheney. “Es la única manera en la que sé trabajar: dándolo todo. Tengo que saberlo todo para ser capaz de improvisar y hacer sugerencias si el momento lo requiere”, comentó el actor a El País. Cabe preguntarse si conseguirá entrar en la órbita de las mejores caracterizaciones en la historia del cine a través de la estatuilla dorada al Mejor Actor. Y también hay que pensar si el absurdo de “Vice” le alcanza para superar a sus rivales de peso, tanto en calidad como en taquilla.
